PHI
La serie "Phi" reflexiona sobre la relación entre los cuerpos celestes que componen nuestro universo, destacando la proporción áurea inherente a este entramado. Cada elemento está en perfecta armonía con las piezas que lo rodean, generando un equilibrio en un dibujo que remite a los planetas, sus órbitas y movimientos. Isabel Englebert propone una metáfora, una abstracción del movimiento del sol en el universo y de la relación entre las distintas trayectorias que describen los objetos astronómicos como un entramado dinámico.
La proporción áurea es el fundamento y pilar de cada composición, en la que cada componente corresponde a esta secuencia numérica, posicionado de tal manera que los puntos de contacto entre dos piezas dan existencia a una tercera, cuyas proporciones son la suma de sus dos predecesoras. Esta relación es una réplica de las secuencias proporcionales de la realidad del universo, expresadas en la relación de escala entre la Tierra y la Luna, en las órbitas de Mercurio, Venus, la Tierra, Júpiter y Saturno, o en la cantidad de días de órbita alrededor del sol de Venus y la Tierra, entre muchos otros casos.
La variedad de materiales y texturas remite al dinamismo y la multiplicidad de cuerpos en el cosmos. El uso del metal martillado que evoca a la luna, el color azul que puede remitir a nuestro planeta, los distintos pesos transmitidos por los plenos y calados, son puntos de conexión que permiten establecer relaciones alegóricas con la realidad física.
Entre los distintos niveles de significado que emergen de la serie "Phi", puede establecerse un vínculo entre su composición morfológica y la del Neo-Geo, con su abstracción geométrica y simplicidad de formas. Los elementos compositivos se transforman en signos sintéticos que remiten a la realidad, despertando tanto reflexiones conceptuales como admiración estética.
Gran admiradora de Olafur Eliasson y sus reflexiones sobre el medioambiente, la artista elabora una simbiosis entre la realidad cósmica y la obra de arte, que busca capturar el dinamismo del universo y la relación entre el todo y sus partes, enfocándose especialmente en la proporción áurea que existe entre los elementos del orbe.
Collar
Aros
GLACIER
Los glaciares se reducen anualmente entre medio metro y un metro, lo que representa entre el doble y el triple de la tasa de derretimiento promedio del siglo XX.
La serie de piezas "Glaciar", creada por Isabel Englebert, busca generar conciencia sobre la problemática del derretimiento de los glaciares. En su compromiso activo con la sostenibilidad, la artista aborda esta problemática desde un nuevo lugar, creando situaciones que representan la realidad e invitan a actuar sobre ella.
Las piezas están hechas de alpaca y cuarzo en bruto, concibiendo una interacción interesante entre ambos materiales. Por un lado, el cuarzo presenta características propias del hielo, asemejándose a él en su dureza y luminosidad. Pero por otro lado, el metal, de naturaleza fría, se encuentra en un estado de derretimiento, generando una analogía con la lenta transición de los glaciares del estado sólido al líquido.
PLANTAS
"Plantas" es una serie de piezas creada en colaboración con Paloma Teppa, artista especializada en Biofilia, creadora y alma mater de "Plant The Future", un estudio de diseño inspirado en la naturaleza, boutique de plantas y galería de arte botánico.
Isabel Englebert, artista multidisciplinaria, aporta a las piezas de esta serie sus elementos estéticos característicos: geometrías puras, líneas simples y superficies regladas. La línea, como elemento geométrico, surge para brindarle un equilibrio perfecto a cada obra, otorgándole personalidad propia.
En esta ocasión, las piezas incorporan musgo vivo, creando una aleación particular que expresa el fuerte compromiso de las artistas con la naturaleza y la sostenibilidad. La rigidez y frialdad del metal se combinan y contrastan con la calidez y suavidad del musgo. El primero —fuerte, apasionado— se encuentra con el segundo —nutritivo, vivo— para dar origen a un híbrido nacido de la interacción entre ambos materiales. Esta mezcla, este choque, representa la vida misma.
Al mismo tiempo, este encuentro inusual delinea un doble sentido. Por un lado, plantea la acción de enmarcar un fragmento de naturaleza, otorgándole el carácter de obra de arte. La exalta, la honra de una manera no convencional. Por otro lado, busca proteger y cuidar la fuente de vida, expresando un fuerte respeto y compromiso.
CALATRAVA
Esta serie de piezas escultóricas constituye una oda al brillante arquitecto Santiago Calatrava, y a su estética única y elegante. Materializadas en plata brillante y acrílico curvo, estas obras remiten a las líneas sinuosas del arquitecto, sus materiales austeros y blancos, y su uso puro del vidrio y la luz.
Isabel Englebert toma como referencia algunas de las obras más reconocidas e impresionantes de Calatrava. Así, la Estación TGV de Lyon Saint-Exupéry, el Auditorio de Tenerife y el Palau de les Arts se transforman en abstracciones geométricas puras y sintéticas.
El estilo único y simbólico del arquitecto es reconocible en el sentido de movimiento que transmiten los objetos de Englebert. Piezas que hacen referencia a la unión de la arquitectura, la ingeniería y la escultura en un único proyecto.
Lyon Saint-Exupéry TGV Station
Boceto
Aros
Collar
Palau de les Arts Reina Sofía, Valencia
Tenerife Opera House
Aros
Brazaletes
POLO
Inspirada en el polo, deporte tradicional argentino, Isabel Englebert da vida a una colección de objetos pequeños, minimalistas e imponentes. Incorporando las características morfológicas del racionalismo, la artista desarrolla esta serie de obras en materiales nobles que representan la esencia de la tierra argentina.
La crin del caballo, suave y cálida, es una referencia directa a este deporte, tan representativo de la cultura local. El pelo de caballo remite a los aspectos orgánicos y tradicionales del país de origen de la artista, revalorizando la tradición, pero al mismo tiempo proponiendo una innovación inesperada. Así, logra una conexión casi inmediata entre los objetos y la naturaleza, aportando una atmósfera fresca y, al mismo tiempo, sofisticada. Una estructura pura, geométrica y modular, elaborada en alpaca plateada, traza recorridos que dialogan con el cuerpo. El metal genera un contraste con la crin, resaltando su brillo y dureza.
Una vez más, Englebert desafía los límites entre el diseño y el arte. Crea una oda a la abstracción geométrica, imprimiendo su sello personal de líneas puras y figuras simples en su interpretación del Polo argentino.
KINETIC
Influenciada por la vanguardia artística del futurismo, la serie de piezas Kinetic busca reflejar el movimiento y el dinamismo característicos de esta corriente de pensamiento. La superposición de planos y elementos lineales, junto con las variaciones cromáticas y de opacidad, logran construir piezas emblemáticas de wearable art.
Enteramente hechas a mano, las piezas fueron materializadas en metal bañado en plata y acrílicos de distintos tonos y translucidez, generando una sensación de profundidad diferente en cada pieza única.
Proceso
Collar
Aros
Collares
MUJERES ARTISTAS LATINOAMERICANAS
Esta serie de brazaletes es un homenaje a las mujeres más representativas y pioneras del arte latinoamericano. Cada artista seleccionada para este proyecto ha contribuido a transformar el rumbo y la concepción misma del arte. Estas mujeres notables han realizado aportes sumamente significativos al cambio de perspectiva que ha tenido lugar en el arte contemporáneo en los últimos años —uno que hoy permite poner el foco en la feminidad y la artisticidad latinas.
Las piezas únicas buscan evocar los elementos más potentes o característicos del estilo de cada artista elegida. Fiel a la esencia de Isabel Englebert, los brazaletes presentan una síntesis casi absoluta de las cualidades formales y estéticas de la artista a la que hacen referencia, dando como resultado abstracciones puras, casi geométricas. Materiales como el bronce y la alpaca cumplen un rol central en estas piezas, creando una atmósfera de sofisticación y singularidad.
A través del volumen, los grabados, las texturas y los calados, Isabel Englebert construye y reconstruye el universo de estas mujeres fuertes y valiosas. Las artistas presentes en esta serie son Frida Kahlo, Tarsila do Amaral, Ana Mendieta, Zilia Sánchez, Mirtha Dermisache, Marta Minujín y Lygia Clark.
FRIDA KAHLO
Altura: 6cm
Una pieza inspirada en las trenzas que Frida Kahlo llevaba en sus peinados.
Frida Kahlo (México, 1907-1956) fue una de las artistas más representativas de la cultura latinoamericana. Creó un estilo enteramente subjetivo y profundamente metafórico, influenciado por su gran sensibilidad y sus referencias autobiográficas, marcadas por hechos vitales contundentes.
A los dieciocho años, Frida Kahlo sufrió un grave accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar. Esta experiencia tuvo una influencia decisiva en la creación de su complejo mundo psicológico, tan característicamente reflejado en sus obras.
El autorretrato es central en su arte, creando una atmósfera a menudo descrita como surreal y a la vez espontánea. Sus rasgos distintivos —como la trenza que rodea su cabeza y su ceja única— se han convertido en símbolos perdurables del arte mismo.
TARSILA DO AMARAL
Altura: 6cm
Un brazalete inspirado en las formas similares a cactus características de las pinturas de Amaral.
Tarsila do Amaral (Brasil, 1886-1973) es la artista brasileña más famosa del siglo XX, aunque solo ha ganado reconocimiento internacional en tiempos recientes.
Estudió pintura en París, incorporando elementos modernistas a su país natal —como formas aplanadas y cuerpos distorsionados. Sin embargo, imprimió a este estilo su propio sello distintivo, profundamente arraigado en la cultura brasileña.
Do Amaral llenó sus lienzos con escenas vibrantes de la vida brasileña, su vegetación exuberante y los cuerpos potentes de figuras femeninas. Estas pinturas inspiraron el movimiento antropofágico de Brasil, que alentaba a los artistas a definir un estilo brasileño nuevo y singular "canibalizando" aspectos del arte occidental. Su práctica fue fundamental para moldear la identidad visual nacional de su país.
ANA MENDIETA
Altura: 7cm
Un brazalete inspirado en formas amorfas moldeadas en la tierra, y en bordes que evocan lo artesanal y lo ancestral.
Ana Mendieta (Cuba, 1948-1985) fue una artista cubana fundamental que desarrolló un lenguaje visual potente centrado en la feminidad, lo femenino, el cuerpo, la tierra y la violencia. Creadora interdisciplinaria, produjo esculturas, videos, fotografías y performances que dieron origen a lo que se conoció como earth-body art.
Mendieta descubrió lo que podía expresar a través de múltiples formas —más profundamente, a través de su propio cuerpo. Camuflaba su figura desnuda dentro de paisajes naturales, se retrataba con barba, recreaba escenas de agresión, presionaba su cuerpo contra el vidrio para distorsionarlo y, sobre todo, se cubría de sangre.
Su obra exploró los sentidos de la vida y la muerte, abrazando a la vez una dimensión sagrada y ritual que remitía a los orígenes de la cultura cubana. El arte de Mendieta buscó reivindicar lo ancestral y lo primitivo, consolidándola como una de las artistas más importantes de Latinoamérica —un símbolo de la conexión entre el cuerpo femenino y la naturaleza.
ZILIA SÁNCHEZ
Altura: 7cm
Un brazalete inspirado en formas puntiagudas que evocan lo erótico y los contornos del busto femenino.
En la década de 1960, Zilia Sánchez (Cuba, 1928) reinventó la abstracción geométrica de bordes duros al introducir lienzos con formas no convencionales y morfologías onduladas que evocan la sensualidad y el erotismo.
En las pinturas tridimensionales de Sánchez, las zonas puntiagudas del lienzo se proyectan hacia afuera en el espacio, generando una semejanza con pezones femeninos. Otras obras presentan aberturas que remiten a vulvas y otros orificios corporales.
Su arte se erige como una representación del expresionismo y la sensualidad erótica, el cuerpo femenino, y el simbolismo de la fertilidad de la tierra.
MIRTHA DERMISACHE
Altura: 7cm
Un brazalete inspirado en la escritura asémica y los gestos gráficos de Dermisache.
Mirtha Dermisache (Argentina, 1940) fue una artista que exploró la escritura, la expresión gráfica y lo asémico. A partir de 2004, y en colaboración con Florent Fajole, creó una serie de dispositivos editoriales que exploraban las dimensiones de la instalación y el proceso de impresión, poniendo de relieve distintos aspectos conceptuales de las publicaciones dentro de una misma realidad espacial.
Su primera muestra individual en Buenos Aires tuvo lugar en The Edge Gallery. Más tarde presentó su obra en el MACBA (Barcelona) y en el Centre Pompidou (París).
Su práctica se fundó en el acto de desaprender —una reflexión sobre los códigos, el lenguaje y la expresión misma.
MARTA MINUJÍN
Altura: 7cm
Un brazalete inspirado en las franjas rítmicas que fluyen de un lado a otro en las pinturas y esculturas de Minujín.
Marta Minujín (Argentina, 1943) es una de las artistas argentinas de mayor renombre internacional. Su arte transgresor sentó gran parte de las bases del arte argentino contemporáneo.
Sus esculturas mullidas, sus ambientes iluminados con luces de neón brillante y sus performances públicas invitaban a la participación activa y al involucramiento físico. Minujín transformó colchones multicolores en formas abultadas que remitían al cuerpo humano, la sexualidad y el descanso. Estas se convirtieron en elementos centrales de ambientes inmersivos donde alentaba a los participantes a despojarse de sus inhibiciones y expresarse con libertad.
La obra de Minujín también ha abordado cuestiones políticas, como los males de los regímenes totalitarios y la opresión, utilizando objetos cargados de simbolismo —como libros alguna vez prohibidos por la dictadura argentina. Se erige como un símbolo de libertad, expresión y transgresión.
LIGHYA CLARCK
Altura: 7cm
Un brazalete inspirado en las formas volumétricas y laminares, y en la geometría pura propuesta por Clark.
Lygia Clark (Brasil, 1920-1988) fue una artista pionera del arte interactivo e inmersivo, rompiendo los límites entre el arte y la vida.
Clark comenzó su práctica explorando la abstracción geométrica, tomando una inspiración temprana de los modernistas europeos. Sin embargo, pronto se apartó de este estilo al llevar las formas de bordes duros de sus pinturas hacia el espacio tridimensional. Sus lienzos comenzaron a proyectarse hacia afuera, y empezó a crear esculturas angulares y tridimensionales que podían ser manipuladas físicamente por quienes las observaban. Más adelante en su vida, Clark desplazó su foco de la creación hacia la práctica psicológica. A partir de sus primeras observaciones sobre cómo las personas interactuaban con sus esculturas, desarrolló métodos terapéuticos en los que los pacientes interactuaban con objetos como parte de su proceso de sanación.
IRIS
